Michael Johnson Photography

Michael Johnson Photography

 

Michael Johnson

Biography

Michael Johnson has been photographing rural America for more than thirty-five years. He is a traditional large format photographer, producing silver/gelatin prints from view camera negatives. His large black and white photographs have been exhibited throughout the United States, Asia, and Europe. They are acquired by museums, corporations, hospitals, and private collectors.

A self-taught photographer, Johnson traces his inspiration to the European master painters of the 17th century. However, his vision has been shaped by the land itself, especially by the landscape of the driftless area of Northwestern Illinois.

Johnson’s love for the land extends to other areas of his life as well. He and his wife, Patricia, have planted thousands of trees on their family tree farm near Mount Carroll, Illinois, where they operate a small sawmill and sustainable hardwood lumber business. They were named Illinois Outstanding Tree Farmers in 2003 by the American Tree Farm System.

マイケル・ジョンソン      バイオグラフィー

 マイケル・ジョンソンは35年以上に渡り、アメリカ郊外の風景を撮影してきた。従来の大判カメラを使い、そのネガフィルムから、ゼラチンシルバーのプリントを制作している写真家である。作品はアメリカ、アジア、ヨーロッパ各国で展示されており、また、美術館、企業、病院、個人収集家によってコレクションされている。

独学で写真を学んだジョンソンは、17世紀の画家の巨匠たちにインスピレーションを受け、それをなぞるようにした作品制作をしている。しかし、彼の描いている光景は被写体となっている土地そのものから形づくられるものであり、特にイリノイ州北西部の茫漠とした風景に影響を受けている。

ジョンソンの土地への愛着は、彼の人生におけるもうひとつの領域にも及んでいる。彼と妻のパトリシアは、イリノイ州マウントカロルの近くにある自分の林業地に千本もの樹木を植樹した。二人はそこで、環境を破壊せずに利用できる広葉樹の材木業を営んでいる。2003年、この林業地はアメリカン・ツリー・ファーム・システムによって、”イリノイ・アウトスタンディング・ツリー・ファーム”と命名された。

Making the Photographs

In response to numerous questions over the years, I offer the following thoughts about making landscape photographs.

All of the photographs on this site are created by traditional, silver-based processes. The prints are enlarged from 5×7 view camera negatives. I am comfortable with this format for two reasons. It is a slightly longer rectangle than the 4×5 – 8×10 ratio, and it seems to work well with predominately horizontal images. Also, it is the largest format camera, with lenses, film and auxiliary equipment, that I can comfortably carry in a backpack. Ansel Adam’s basic Zone System is used for exposure control and tonal management.

Making photographs is a highly intentional process for me. Rather than exposing many negatives in the hope that some will turn out well, I spend most of my time looking at the land and planning the finished image. Composition is particularly important, both for creating an illusion of three dimensional space in a photograph and for constructing a dynamic design. Consequently, I often return to a promising landscape when the light or clouds are more favorable, or wait for hours while shadows sweep across the land.

The rendering of specific qualities of light is fundamentally important. Rather than trying to impose an arbitrary range of values on each print, I strive for a tonal range that affirms the specific character of illumination that caught my attention in the first place. The Zone System is an exceptionally powerful expressive tool for controlling the final print values. Basically, the exposure, filtration and development method for each sheet of film is determined before shutter release, rendering the best negative for producing the final print.

Making the print is as much a part of the creative process as exposing the negative. In fact, I have probably spent more time in the darkroom than with any other part of the photographic process. Fine printing is an intense, exhaustive, physical procedure in which, for me at least, the anticipated result is approached but never completely achieved. Ansel Adams’ metaphor, that “the negative is the (musical) score and the print the performance,” is singularly apt. Every time a negative is printed, there is an opportunity to make a different, perhaps more perfect, print.

The printing process is one of the conspicuous differences between analog and digital photography. Most digital photographers work with an image file until it is adjusted to their satisfaction, after which any number of identical prints is possible. For the darkroom photographer, the possibility of improvement is constantly before him. Another significant difference is in the way digital and photographic prints reflect light. One utilizes ink on paper and the other silver (in various forms) in a gelatin emulsion. Each has a particular look and expressive feel. Each process has its specific advantages and disadvantages. I make no claims for the superiority of either, only that I am in love with one of them.

写真の制作について      マイケル・ジョンソン

長年にわたる多くの質問に応えて、風景写真の制作について、次のような考えを書き記します。

このサイトの写真はすべて従来のゼラチンシルバーのプロセスで制作されたものです。5×7インチの大型カメラのネガから引き伸しをしました。私がこのフォーマットを気に入って使っている理由は２つあります。ひとつは、4×5や8×10インチの比率よりも、わずかに長い矩形であることで、主に水平線のあるイメージをうまく捉えられるように思います。それから、大判カメラやレンズ、フィルムなど付属する道具をバックパックに入れて、気軽に持ち運びができることも気に入っている理由のひとつです。アンセル・アダムスの基本的なゾーン・システムは、露光と階調のコントロールを利用したものです。

撮影は、私にとって非常に意識的な操作ができるプロセスです。いい結果になることを期待し、たくさんの枚数を撮るというよりはむしろ、私はその風景をじっと見つめ、完成するイメージを頭の中に描くことに、ほとんどの時間を費やしています。構図は特に、写真の中の三次元の空間にイリュージョンを作り出すことであり、ダイナミックなデザインを構成するために重要なものです。したがって、光や雲が以前に撮った時よりも良い状態になった時には、その期待できそうな風景にもう一度行ってみたり、その場所があたり一面影っている時には、何時間も待っていたりということがよくあります。

光の特徴を表現することは、基本的なポイントです。毎回、その場で偶然に任せて露出をかけるのではなく、最初の段階で私の注意を引いた光の表情を表現するような階調のレンジを得ることに努めています。ゾーン・システムは最終的なプリントの完成度をコントロールする非常に有効な表現手段です。つまり、一枚ごとのフィルムの露光と現像方法は、シャッターを切る前に決まっており、それによって最終的なプリントを制作するためのベストなネガを完成させます。

プリントの制作は撮影と同じくらい重要な制作過程の一部です。実際に、私はおそらく他のどの写真の制作過程よりも多くの時間を暗室作業に費やしてきました。少なくとも私にとって、ファインプリントを作る作業は、そのプロセスの中でも神経を集中させ、すり減らすような、体力的にも厳しい手順であり、また完全に結果を得られるわけではありませんが、楽しみな仕上がりに近づいていく段階でもあります。アンセル・アダムスの言葉に「ネガは楽譜であり、プリンティングは演奏である」という喩えがありますが、非常にわかりやすい比喩です。ネガはプリントするたびに、違ったものを作り出す可能性があり、もしかするとパーフェクトなプリント以上のものができる可能性もあるのです。

プリント作業はアナログとデジタルによってはっきりとした違いがあります。ほとんどのデジタル写真家は、満足がいくように調整されるまで画像ファイルを使って作業をし、その後はいくらでもまったく同じものを作り出すことが可能です。一方、暗室で作業をする写真家には、目の前に絶えず良くなる可能性が広がっています。もうひとつの明らかな違いは、デジタルプリントと従来のゼラチンシルバー・プリントの光の反射の仕方にあります。デジタルはペーパーに乗せたインクを利用し、アナログは乳剤の中に（様々なかたちで）含まれる銀を利用しています。それぞれ独特の外見と趣きをもち、はっきりとした長所と短所をもっているのです。私は、二つのうちどちらが優れているかということは主張しません。ただ、私はそのうちのひとつを愛しているのです。